VICTOR JARA- Una voz inmortal

Víctor Jara fue un cantautor, director teatral, investigador del folclore y de los instrumentos indígenas, actor, dramaturgo y libretista, pero alcanzó la mayor trascendencia como compositor y cantante popular. Hoy en día, a casi cuarenta años de su muerte, es reconocido como uno de los más importantes artistas chilenos y es reconocido mundialmente por su talento y su lucha por los derechos humanos.

Víctor nace en Chillán el 28 de Septiembre de 1932 en medio de una familia campesina: Manuel, inquilino, y Amanda, cantora popular. Su infancia transcurre en Lonquén donde, por causa de las necesidades familiares, Víctor se vio obligado desde niño a ayudar a la familia en los trabajos del campo. Influenciado por su madre, tomó también contacto a temprana edad con la música, además de asistir al colegio. Su juventud la vivió principalmente en Santiago, en la población Nogales, donde se trasladaron una vez que su padre los abandonó.

A los 15 años quedó huérfano e ingresó en el Seminario Redentorista de San Bernardo. Dos años después de su ingreso, abandonó el seminario al comprobar su falta de vocación. Tras dejar el seminario, prestó el servicio militar.

En 1957 entró en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. En esa época conoció a otra eminencia del folklore chileno, Violeta Parra, que lo acogió como discípulo. En 1960 recibió el título de director teatral y pasó a formar parte del directorio del Instituto del Teatro de dicha casa de estudios. Dirigió varias obras de teatro y obtuvo el Premio Laurel de Oro como mejor director del año. En 1967 fue invitado a Gran Bretaña, donde recibió otro premio por su dirección teatral. Estando allí compuso una de sus canciones más conocidas, Te recuerdo Amanda, dedicada a sus padres Amanda y Manuel. 

En 1967 publicó su primer álbum musical, titulado Víctor Jara. Su segundo álbum, Pongo en tus manos abiertas (1969), coincidió con el respaldo que prestó a la candidatura de la Unidad Popular de Salvador Allende como militante de las Juventudes Comunistas. En 1970 publicó Canto libre, El derecho de vivir en paz y La población, creaciones de gran belleza y fuerza poética que lo convirtieron en uno de los máximos exponentes del resurgimiento y la innovación de la canción popular en Latinoamérica.

Sus canciones trataban sobre su pueblo y sus problemas, en la línea de los cantautores de la época; con todo, su éxito internacional las llevó más allá de su Chile natal para ser cantadas en cualquier manifestación progresista o concentración universitaria de otros tantos países.

Durante el período de gobierno de Allende fue nombrado embajador cultural del gobierno, en cuyo cargo desarrolló una amplia labor hasta la fecha de su muerte. Además trabajó como compositor de música para continuidad en Televisión Nacional de Chile (TVN) de 1972 a 1973, e investiga y recopila testimonios en Hermida de la Victoria, en los cuales basaría su disco La población. También viaja a la URSS y a Cuba, dirige el homenaje a Pablo Neruda por la obtención del Premio Nóbel y toma parte en los trabajos voluntarios para impedir la paralización del país causada por la huelga de camioneros.

Fuertemente comprometido con su entorno político, su compromiso acabó costándole la vida. Tras el golpe de estado del entonces general Augusto Pinochet, acaecido el 11 de septiembre de 1973, se encerró con otros universitarios en la Universidad Técnica del Estado (actual USACH), en Santiago, para mostrar su repudio y voluntad de resistir; sin embargo, el ejército tomó pronto las instalaciones y llevó prisionero a Jara. Fue torturado varios días. Numerosos testimonios señalan que a Jara lo torturaron durante horas, le golpean las manos hasta rompérselas con la culata de un revólver y lo obligaron así a tocar guitarra. Finalmente fue asesinado.

En 1990 la “Comisión de Verdad y Reconciliación” determinó que Víctor Jara fue acribillado con 44 disparos el 16 de septiembre de 1973 en el Estadio Chile y que fue arrojado a unos matorrales en los alrededores del Cementerio Metropolitano. Cuando encontraron el cuerpo fue llevado al depósito de cadáveres, donde le asignaron las siglas "NN", y donde más tarde sería identificado por su esposa. Su cuerpo fue enterrado semi clandestinamente en el Cementerio General. 

En septiembre de 2003, al cumplirse treinta años del golpe militar, a modo de homenaje, el gobierno chileno rebautizó al estadio Chile, donde fue asesinado, con el nombre de “Estadio Víctor Jara”.

Al reabrirse el caso de su muerte sus restos fueron exhumados y posteriormente vueltos a enterrar en el Cementerio General el año 2009, pero esta vez con un funeral abierto, masivo y lleno de homenajes y muestras de afecto por parte del pueblo chileno.

El legado de Víctor Jara es simplemente impresionante. Reciben su nombre distintas edificaciones a lo largo de Chile; entre ellas, la más simbólica y relevante es el Estadio Víctor Jara, ex Chile. También frente a la Plaza Brasil se encuentra el Galpón Víctor Jara. Desde el año 1993 existe la Fundación Víctor Jara, una organización sin fines de lucro, se ha hecho cargo de los derechos de autor de Víctor, para organizar y difundir de manera apropiada y artísticamente válida los distintos trabajos del director y cantautor, ya sea por iniciativa propia o por iniciativas de terceros.

Existe una enorme cantidad de bandas y cantautores de los más diversos estilos que han escrito canciones ya sea versionando sus canciones, mencionando a Víctor Jara, o hablando de su vida. Esta lista podría crecer enormemente, pues en la actualidad no se detiene, y agrupaciones tanto nuevas como ya reconocidas continúan haciendo homenajes de Víctor. Por ejemplo, está Ángel Parra, Los Miserables, Serrat, Los Fabulosos Cadillacs, León Greco, Fermín Muguruza y un innumerable etcétera. 

Victor Jara, una voz valiente... una voz para siempre.

SALVADOR DALÍ - "El surrealismo soy yo"

Salvador Dalí decidió en su adolescencia que sería "un gran genio"; y no se equivocó. Y es que sin duda, Dalí está considerado como uno de los artistas más importantes de la historia. 

Salvador Dalí fue un pintor catalán, uno de los máximos exponentes  del surrealismo y conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Desarrolló su genio en multitud de facetas: dibujo, pintura, grabado, cine, orfebrería y decoración. Su obra y su imagen personal se han transformado en verdaderos iconos.

Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador, había muerto unos nueve meses antes, por lo que decidieron ponerle el mismo nombre. Cuando Dalí tenía sólo cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer. Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.

Como artista su precocidad fue sorprendente: A los diez años ya dibujaba y pintaba con mucha regularidad, sobre todo retratos de miembros de su familia y paisajes. A los doce descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium.

En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel y del poeta Federico García Lorca, el poeta español más influyente del siglo XX. Con Buñuel lleva a cabo varios proyectos, destacando la creación de Un perro andaluz (1929), un cortometraje célebre que se estudia en cualquier curso de cine que se precie de tal. 

Con García Lorca las cosas fueron mucho más allà, pues vivieron un verdadero romance, aunque no hay claridad acerca de si fue algo platónico o si llegó a lo carnal.

 

Como artista extremadamente imaginativo, Dalí manifestó desde aquellos años una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía. Llegó a emitir declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador Dalí»; “El surrealismo soy yo” y “Salvador es inmortal, nunca morirá”. Sus conductas megalomaniacas le provocaron ser odiado por muchos al considerarlo un tipo tremendamente arrogante, etiqueta que ciertamente no le venía nada de mal. 

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Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ella que fuera digno de examinarle. Ese mismo año, visitó París por primera vez, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca. 

La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue: coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero, acusación que lejos de desagradar al pintor le proporcionaba un secreto e irónico placer. De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, Dalí declaró románticamente: "Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero." 

Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados. 

Enterado el padre de Salvador de la vida disoluta de su hijo junto a Gala, rompe relaciones con él. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. 

Posteriormente, Dalí y Gala pasarán algunos años en Nueva York, años en que más que sentirse apartado del grupo de los surrealistas, se siente el único, el mejor (“el surrealismo soy yo” dijo). Por entonces estalla la Guerra Civil en su España natal, donde, entre muchoas otras consecuencias para su vida personal, fusilan a su amigo Federico García Lorca, noticia que afectaría mucho a Dalí.

A España regresó en 1948, fijando su residencia de nuevo en Port-Lligat y hallando en el régimen del general Franco toda suerte de facilidades. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor "Paraje pintoresco de interés nacional". En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueras; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España. 

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson. 

Gala murió en 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación suspendida. En 1984 un incendio de causas desconocidas se declaró en su dormitorio. De nuevo se sospechó de un intento de suicidio. 

En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988 fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra.

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El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. 



Las veinte mejores pinturas de Salvador Dalí:

CHARLES BUKOWSKI- El último escritor maldito

Charles Bukowski fue un escritor y poeta estadounidense (aunque nacido en Alemania, en 1920), creador de una literatura provocadora y sórdida, cargada de gran emoción y sentimientos, es considerado uno de los más controversiales y prolíficos de los últimos tiempos.

Bukowski fue un autor prolífico, escribió más de cincuenta libros, incontables relatos cortos y multitud de poemas. Bukowski ha sido traducido a más de una docena de idiomas entre los que cuenta el español, francés, alemán y portugués. Es visto como icono de la decadencia estadounidense y de la representación nihilista característica después de la Segunda Guerra Mundial. Su falta de ambición y compromiso con él mismo y con el resto del mundo, convierten a este escritor en una de las influencias obligadas de bastantes autores contemporáneos y símbolo del "realismo sucio" y la literatura independiente.

Nació en 1920 en la localidad alemana de Andernach. Su madre Katharina Fett, era alemana nativa, mientras que su padre era de ascendencia estadounidense y polaca. Se casaron un mes antes de que Charles naciera. Con el hundimiento de la economía alemana después de la Primera Guerra Mundial, la familia se mudaría a Baltimore en 1923. Más tarde se trasladarían a un suburbio de Los Ángeles.

Su infancia estuvo marcada por constantes enfrentamientos con su padre y desaveniencias con su madre, en un entorno familiar acosado por la violencia, la cesantía y el enrarecido ambiente patriótico norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. También estuvo marcada por una terrible infección de acné en la piel, que le dejó marcas en la cara para el resto de su vida, y por su afición al boxeo y a las bibliotecas (hechos que él mismo relata en multitud de poemas y relatos, y en la novela La senda del perdedor).

Un ambiente familiar turbio, un físico poco agraciado y una timidez atávica e irremediable provocarían que Bukowski se refugiara muy pronto en los libros y encontrara desde muy joven un consuelo efectivo y duradero en el alcohol.

 Comienzan entonces unos años grises y turbios, con demasiado olor a vómito y muy poca esperanza aguardando cada mañana. Durante muchos años, y tras un breve paso por la universidad (estudió periodismo durante dos años), se ganó la vida con trabajos manuales temporales, espaciados por los periodos de vacaciones que se tomaba cuando tenía suerte en las apuestas del hipódromo, afición que reflejó continuamente en su obra. Empezó a escribir cuentos muy joven pero, tras un primer relato publicado por una revista en 1944, abandonó la literatura por un espacio de diez años, en los que sentó los cimientos de su leyenda de alcohólico y vagabundo.

Comenzando los años 50, Bukowski comenzó a trabajar como cartero en Los Ángeles, en el servicio postal de los Estados Unidos, en el que permaneció tres años. En 1955 lo hospitalizaron con una úlcera sangrante muy grave debido a su alcoholismo. Cuando salió del hospital le dijeron que si volvía a beber un trago más, moriría. Bukowski apenas salió del hospital se fue a un bar a emborracharse, costumbre que no perdería hasta el día de su muerte. En esta misma época comenzó a escribir poesía. 

En 1957, se casó con la escritora y poeta Barbara Frye, una aburguesada que dudaba a menudo de la habilidad de Bukowski como poeta. Desencantado por el poco apoyo de su mujer y demasiado enfrascado en el alcohol, su matrimonio se rompe, y su maltrecha economía –sustentada a menudo por el patrimonio burgués de su esposa- se resquebraja. Ha de volver a la oficina de correos, y todo lo anterior no parece más que un paréntesis en mitad de la desgracia.

Una vez divorciados, Bukowski continuó bebiendo y escribiendo poesía.

Sus primeras obras se publicaron en esta década, la de los sesenta, en editoriales y revistas underground; a esta época pertenecen colecciones de poemas como Crucifijo en una mano muerta (1965) o la que para muchos es su mejor obra en verso, Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas (1969). La poesía de Bukowski, al que le gustaba vanagloriarse de haber escrito su primer poema con 35 años, está marcada por un realismo descarnado y lírico a un tiempo, explícito, tierno en ocasiones y brutal en otras, abundante en datos autobiográficos, personalísimo y pleno de humor ácido y desencantado. Nunca abandonó su producción en verso que, con los años, se fue haciendo más directa, más sobria, como en El amor es un perro del infierno (1974) o La última noche de la tierra (1992). Bukowski escribió más de treinta poemarios, que le han acreditado como gran poeta; sin embargo, pocos de sus poemas se han traducido al español.

En 1964, tuvo una hija, Marina Louise Bukowski, nacida de su relación con su novia de entonces, Frances Smith.

Comenzando 1967, Bukowski escribía la columna Notes of A Dirty Old Man para el periódico independiente de Los Ángeles Open City. Cuando fue cerrado en 1969, la columna se trasladó a Los Angeles Free Press. Ese año publicó una recopilación de las mejores columnas escritas para el periódico con ese mismo título (en español, “Escritos de un viejo indecente”).

En 1969, después de que el editor John Martin de Black Sparrow Press le prometiera una remuneración de cien dólares mensuales de por vida, Bukowski dejó de trabajar en la oficina de correos, para dedicarse a escribir todo el tiempo. Tenía entonces 49 años. Como él mismo explicó en una carta en ese entonces, “tengo dos opciones, permanecer en la oficina de correos y volverme loco… o quedarme fuera y jugar a ser escritor y morirme de hambre. He decidido morir de hambre”. Pasó menos de un mes tras dejar el trabajo en la oficina de Correos, cuando acabó su primera novela, Post Office (titulada Cartero en castellano). A esta novela seguirían otras cinco, casi todas protagonizadas por Henry Chinaski, alter ego del propio Bukowski, entre las que cabe destacar La senda del perdedor, Factotum y Mujeres. En cuanto sus cuentos, se encuentran reunidos en varios volúmenes. El más conocido, Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones (1972), recoge relatos aparecidos en varias revistas underground.

Su obra inspiró una película, Ordinaria locura, de Marco Ferreri, a la que seguría Barfly (1989), de Barbet Schroeder y con guión del propio Bukowski. Posteriormente aparecería Factotum, basada en la novela del mismo nombre.

En 1976 conoce a Linda Lee Beighle, dueña de un restaurante de comida sana. Dos años más tarde, la pareja se mudó desde la parte este de Hollywood, donde Bukowski había vivido la mayor parte de su vida, a San Pedro, el distrito más al sur de la ciudad de Los Ángeles. Bukowski y Linda Lee fueron casados en 1985. Bukowski habla de ella en las novelas Mujeres y Hollywood, en su mayor parte autobiográficas, a través del personaje de Sara.

Bukowski murió de leucemia el 9 de marzo de 1994 en San Pedro, California, a la edad de 73 años, poco después de terminar su última novela Pulp.

Por siempre...Bukowski. 

ELVIS PRESLEY- el rey del rock

Elvis Aaron Presley  (Tupelo, Estados Unidos, 8 de enero de 1935 – Memphis, Estados Unidos, 16 de agosto de 1977), conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX. La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey. Tanto las canciones como la imagen de Elvis son iconos pop más allá de la música y seguramente es uno de los artistas más influyentes e importantes de todos los tiempos. A pesar de su muerte en 1977, su legado continúa produciendo beneficios, vendiendo discos y todo tipo de artículos ornamentales.

Durante su carrera, protagonizó 31 películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. Grabó un total de 150 álbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy.

Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. Como hijo único, creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia solía asistir a la iglesia, donde encontró su inspiración musical inicial.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de ser Vernon declarado culpable de alterar un cheque. Fue encarcelado durante ocho meses, y Gladys y Elvis fueron a vivir con parientes cercanos.

En 1954, cuando tenía diecinueve años y trabajaba como camionero, grabó un disco con dos temas para regalárselo a su madre por su cumpleaños. En los estudios Sun Records grabó un sencillo con el tema My Happiness y con That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo hasta que regresó dos veces más, grabando dos canciones en cada oportunidad, tras lo cual, quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que llegó a tener gran éxito en Memphis (blue moon of Kentucky/ That´s all right mamma).

En 1955 teniendo conquistada a Memphis y a algunos mercados regionales del sur de los Estados Unidos, el Coronel Tom Parker, el cual a finales de ese año, gestionó su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares y un Cadillac, lo apadrinó.

Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera. En algunos programas de televisión, como en su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba.

Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.

En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.

Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos, en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

Su regreso a los escenarios en 1960 tras el servicio militar fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender / Witchcraft. Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por Parker (manager de Elvis) demasiado elevado, fue el propio Frank Sinatra quien la financió. Para éste último y a pesar del elevado monto, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show de Sinatra en que había aparecido Presley, habían roto todos los récords de audiencia televisiva del referido show, que fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

En los años 1960, se dedicó a actuar en películas de mediana a baja calidad, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31. Sus actores favoritos, a los que admiraba e imitaba, fueron James Dean y Marlon Brando.

En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad, debido a una crisis artística y además a la invasión británica comandada por Los Beatles, quienes, paradójicamente, eran grandes fans de Elvis.

En 1967 Presley se casó con Priscilla Ann-Beaulieau (conocida como Priscila Presley), con la que tuvo un año después a su única hija, Lisa Marie Presley (quien resultaría casada con “el rey del pop”, Michael Jackson).

Los años 70 serían los años en los que Elvis se convertiría de gran ídolo a leyenda musical. En julio de 1972 se separa de Priscilla, para llevar a cabo el divorcio definitivo en octubre de 1973, dejándolo en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría.

En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawái conocido como Aloha From Hawaii, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.

También es en esta década en donde los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital.

En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia.

Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho vigoroso y lleno de energía que conquistó al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, sobrepasado en peso y con dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones. Su último concierto lo daría el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Idiana’s Market Square Arena.

En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 am, se retira a su habitación para dormir. Alrededor del medio día, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, y poco tiempo después es declarado muerto.

Todo lo que viene después de su muerte gira en torno a lo mítico y lo ambiguo, enre teorías de suicidio, homicidio, incluso que aún se encuentra vivo.

Un rockstar, el rey del rock and roll, una leyenda…simplemente Elvis.

QUENTIN TARANTINO- un genio de la pantalla grande

Quentin Tarantino es un guionista,  director, actor y productor estadounidense, ganador del premio Óscar y de la Palma de Oro y uno de los más talentosos y originales cineastas de los últimos tiempos.

Nació en 1963 en Knoxville, Tennessee. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, al herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos década y donde Connie (su madre) contraería matrimonio con Curt Zastoupil. Tarantino acudía a menudo al cine, consumía música rock y series de televisión.

En la escuela era un alumno hiperactivo (le recetaban ritalín) y desinteresado en las clases: su interés estaba en la televisión, el cine y la música. Su barrio en Los Ángeles era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. En su adolescencia Tarantino abandonó los estudios por considerarlos inútiles y comenzó a trabajar como acomodador de un cine porno y otros trabajos esporádicos.

En 1985 consigue un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar en el cual acrecentaría su cultura cinematográfica y encontraría una especie de segundo hogar. Es entonces cuando decide tomar clases de interpretación y busca trabajo como actor. Con el afán de encontrar trabajo en la industria mentía repetidamente en su experiencia laboral, incluso se fabricó un currículum falso como actor, en el que incluía su participación en King Learde Jean-Luc Goddard, porque afirmaba que nadie en Hollywood conocía esa película. 

En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y conoció al productor John Langley, quien quedó fascinado del amplio conocimiento del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos. Langley los contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum Potencial”, una película de artes marciales de 1987.

En esa época Tarantino ya había convertido Video Archives en una improvisada escuela de cine. Empezó a escribir para poder ofrecer escenas prácticas en sus clases de interpretación. Luego pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" Tarantino escribió en 1991 "Reservoir Dogs" (perros de la calle), con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel, y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo. Además, Tarantino pudo darse el lujo de controlar Perros de la calle en todos los aspectos: la escribió y dirigió, seleccionó la banda sonora e incluso se permitió aparecer como actor. Y así, de repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de "Reservoir Dogs" se vendieron enseguida: fueron "True Romance" (Amor a quemarropa) (1992, dirigida por Tony Scott) y "Natural Born Killers" (Asesinos por naturaleza) (1993, reescrita y dirigida por Oliver Stone).

En 1994 Tarantino estrena su segundo film "Pulp Fiction", un collage de ficción interpretada por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson y Uma Thurman. El éxito es rotundo y la película logra la Palma de Oro en Cannes y las nominaciones al Oscar como mejor película, mejor director, actor secundario, actriz secundaria, montaje y guión cinematográfico (a la larga sólo obtuvo el Oscar a mejor guión).

Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió «Jackie Brown» en 1997, un embrollo policíaco protagonizado por Pam Grier,, Robert Foster, Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton. Luego vino otro éxito rotundo: "KillBill", su película más ambiciosa, que finalmente divide en dos partes debido al metraje y a la concepción de la trama: "KillBill" Vol.1 y "KillBill" Vol.2, presentadas en el 2003 y 2004.

Posteriormente dirigió Death Proof, la segunda parte de Grindhouse, en la que co-dirigía con su amigo personal y también director de cine Robert Rodríguez.

Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de «Kill Bill», Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, «Inglorious Bastards», que se estrenó en agosto del 2009.

Si bien Tarantino es reconocido en todo el mundo como uno de los directores más importantes de la actualidad, su primer objetivo profesional era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Del crepúsculo al amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee.

Curiosidades:

El director  favorito de Tarantino es Howard Hawks y las diez películas que más le gustan son: El bueno, el feo y el malo (1966), Río Bravo (1959), Taxi Driver (1976), Luna nueva (1940), El expreso de Corea (1977), Todos rieron (1981), El gran escape (1963), Carrie (1976), Coffy (1973), Jóvenes desorientados (1993), De profesión, invencible (1973) y Casados sin casa (1943).

Fetichista de los pies: Es normal en sus filmes que las actrices exhiban sus pies descalzos y en ocasiones en primer plano.

Sylvester Stallone fue seriamente considerado para el papel Butch, el boxeador de Pulp Fiction.

JAMES DEAN- un rebelde sin causa

Nació como James Byron Dean en febrero de 1931. Actor estadounidense e ídolo de la juventud de su tiempo, a pesar de que tuvo una vida muy corta.

A Dean siempre le gustó practicar deportes. A pesar de su miopía destacó en varios de ellos, como el baloncesto y el béisbol. También amaba el teatro, y comenzó a estudiarlo y a practicarlo desde muy joven. Antes de salir de su pueblo ya había representado varias obras. A los 18 años viajó a Los Ángeles donde cursó sus estudios en la Universidad de California, (UCLA). En diciembre de 1950 empezó a conseguir pequeños papeles en cine y televisión, también hizo un famoso anuncio de Pepsi. Pronto se trasladó a Nueva York para estudiar interpretación en el famoso Actor's Studio, pero antes de eso, en 1951, consiguió un pequeño papel en la película Fixed Bayonets, también hizo otros dos pequeños papeles en las películas Sailor Beware y Has Anybody Seen My Gal?, ambas en 1952.

Finalmente, Jimmy, como se le conocería, consiguió convertirse en actor de cine, cuando en 1954 el director Elia Kazan, que había rodado Un tranvía llamado deseo con Marlon Brando, le ofreció el papel principal de Cal Trask en Al este del Edén. El director eligió a Dean por su similitud con el personaje, introvertido, tosco, melancólico y apasionado.

Durante su estancia en Hollywood, Dean salió con muchas mujeres, pero el amor de su vida fue la actriz Pier Angeli, a quien conoció durante el rodaje de Al este del Edén. A pesar de que la madre de Angeli se opuso a ese romance, estuvieron juntos un tiempo hasta que Angeli le comunicó que iba a casarse con el cantante Vic Damone. Dean no aceptó esa decisión y, según algunos biógrafos, la golpeó. Durante la ceremonia de la boda de Angeli, se situó con su moto delante de la puerta de la iglesia y mantuvo acelerado el motor para hacer ruido. El matrimonio de Angeli duró poco tiempo. Ella murió en 1971. El rodaje de la película acabó el 9 de agosto.

Dean no acudió al estreno de Al este del Edén el 9 de marzo de 1955. Nada menos que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich trabajaron en esa ocasión como acomodadoras. Días después Dean vio su película pasando desapercibido en las filas del cine, como un espectador más. Por su actuación en dicha película tuvo su primera nominación al Oscar, convirtiéndose en el primer actor en ser nominado póstumamente en la historia de la academia.

Al poco tiempo, Nicholas Ray le contrató para el papel de Jim Stark en Rebelde sin causa. La película empezó a rodarse el 28 de marzo de 1955 en blanco y negro, pero al ver el éxito de Al este del Edén volvieron a empezar en color, se terminó a los dos meses y la post-producción unos meses más tarde. Durante este tiempo Dean rodó Gigante (Dean se unió al rodaje más tarde ya que estaba terminando Rebelde sin causa), de George Stevens. Por esta película obtuvo su segunda nominación póstuma al Oscar y también su compañero de reparto Rock Hudson obtuvo otra nominación en la misma categoría que Dean. Ambos fueron derrotados por Yul Brynner por "El rey y yo".

Mientras trabajaba en Gigante, Dean se compró un Porsche Spyder 550, al que bautizó The little bastard («El pequeño bastardo»). El 17 de septiembre (días antes de su muerte) hizo un anuncio publicitario en la que advertía a los jóvenes de conducir con prudencia. Tan pronto como terminó el rodaje de la película, Dean fue a competir en una carrera de automóviles (una de sus aficiones) en Salinas, cerca de San Francisco.

El 30 de septiembre de 1955 llevó el Porsche a Competition Motors para una puesta a punto. Allí se reunió con su mecánico Rolf Wütherich, quien pasó tres horas poniendo a punto el motor de alto rendimiento y un cinturón de seguridad en el asiento del conductor. Antes de ir a Salinas, Dean paró en una gasolinera, en ese momento decidió conducir el Porsche subiéndolo por la costa para hacerle unos kilómetros ya que originalmente iba a llevar el Porsche en el remolque de su ranchera. Mientras Dean conducía su Porsche por la carretera, acompañado por su mecánico, se le acercó un Ford a gran velocidad, conducido por un estudiante. Dean trató de esquivarlo, pero no pudo. Se incrustó contra el Ford frontal-lateralmente por la izquierda donde se rompió el cuello además de otras graves heridas en el choque, perdiendo la vida instantáneamente, a la edad de 24 años. El conductor del Ford (se rompió la nariz y se lastimó un hombro, murió de cáncer en 1995) y el mecánico de Dean (salió despedido del coche y al caer se destrozó una pierna y se rompió la mandíbula, murió en un accidente de coche en Alemania en 1981) se salvaron.

Dean no llegó a vivir el estreno de sus dos últimas películas. Rebelde sin causa le convirtió en héroe de la juventud de su época, y es la película más conocida mundialmente de las que hizo. Habiendo muerto cuando se estrenó, Dean se convirtió en leyenda.

Datos curiosos

-          Actualmente Dean es nombrado en letras de canciones de Madonna, Eagles, R.E.M., Nickelback, The Killers, Bon Jovi, Skid Row,  entre muchas otras.

-          El médico forense que examinó a Dean tras su muerte, declaró que había muerto por lo siguiente: fracturas múltiples en ambos antebrazos, una pierna fracturada, el cuello roto, y numerosos cortes en la cara y el torso. La muerte se produjo en el momento del accidente o momentos después.

-          Era un gran fanático de los coches.

-          Una productora de cine le rechazó por ser bajo, a lo que él le contestó al director: "¿Acaso la interpretación se mide en centímetros?". James Dean medía 1,71 cm.

-          "El pequeño bastardo" se vendió por piezas y su motor pasó de dueño en dueño, matándose éstos en los vehículos en los que se instalaba dicho motor en accidentes de tráfico. Después se reconstruyó el modelo original de dicho Porsche para una exposición en 1960, pero durante el traslado desapareció y nunca más se ha vuelto a saber nada de "El pequeño bastardo".

-          Pese a que este aspecto de la personalidad de Dean aún incomoda a sus fans, hay muchas teorías y pruebas de que Dean era bisexual. Cuando se le preguntó sobre su orientación sexual, se señala que dijo "Bueno, desde luego no estoy yendo por la vida con un brazo atado a la espalda."