MIKE PATTON - bizarro y creativo

 

Michael Allan Patton (1968 -) El más desquiciado, demente y bizarro compositor, músico y cantante que el mundo de la música del último siglo ha conocido. Su talento lo ha llevado a ser considerado como una figura de culto entre quienes siguen sus bandas y escuchan sus alocados gritos y letras. Su privilegiada voz lo ha posicionado como uno de los mejores cantantes de las últimas décadas, sin embargo su carácter y pasión por experimentar con su voz lo ha alejado de la popularidad de las masas.

Mike Patton (como es conocido por todos) nace en el pequeño pueblo de Eureka, California un día 27 de enero. Pueblo en donde siendo adolescente creía junto a sus amigos la banda “Mr. Bungle” en la cual experimentarían con ritmos extraídos del Funk, heavy metal y otros. Sus primeras grabaciones eran netamente artesanales y las presentaciones las hacían en la escuela o pequeños bares de la zona. Para esos años (1986-1987) la banda “Faith No More” ya había posicionado el sencillo “We care a lot” y se proyectaba como la banda de rock experimental que la rompería en los próximos años. Fue entonces cuando Jim Martin (guitarrista de FNM) escuchó a Mr. Bungle y propuso a Patton como el reemplazante de Chuck Mosely, ya que este había presentado varios problemas con el trago durante las giras de las bandas. Fue así como Patton llega a FNM en 1989 con un set de canciones ya preparadas, entre ellas la mítica EPIC con la que la banda alcanzaría la fama mundial.

También aseguró a Mr. Bungle con un acuerdo con Warner Records en donde cada cuatro años editarían un álbum. FNM comenzó su gira que los traería a Chile por primera vez al Festival Internacional de Viña de Mar, en donde la banda y Patton lograron un link con el público chileno que perdura hasta ahora. Como no recordar cuando Patton le tocó el trasero y luego besó al animador del Festival – Antonio Vodanovic – y luego dedicó una canción (Edge of the World) a Myriam Hernandez una cantante Chilena de música romántica.

Después del disco “Angel Dust” de FNM los problemas con la banda se agravaban, Jim Martin se retiraría de la banda y para el próximo disco de la banda “King For a Day” Patton le pediría a Trey Sprunace que hiciera las guitarras. Al mismo tiempo Patton junto a Mr. Bungle el “Disco Volante” álbum más experimental de la banda, con sonidos desde el metal hasta el tango. En 1995 la banda volvería a Chile al festival Monsters of Rock y realizarían la presentación más alocada de toda la gira, la cual dio la vuelta al mundo y puso a Patton como el rock star más bizarro del momento tras recibir cientos de escupos en la cara, algunos incluso en su boca lo que causó el delirio de toda la fanaticada.

Sin embargo, los problemas continuarían y posterior a la gira del disco “Album of the year” la banda se dividiría con un Patton asegurando que no volvería jamás a tocar con ellos, pero sí manteniendo la amistad. Durante el 1996 lanza su primer disco solista “Adult themes for Voice” una producción bizarra en donde Mike Patton solo crea “música” en base a sus gritos y sonidos guturales.

Desde el fin de FNM Patton se concentraría en la creación y colaboración con diversas bandas en una amplia gama de estilos. Por ejemplo, colaboraría con Sepultura, Björk, Kaada, John Zorn, Team Sleep, Dillinger Scape Plan, The X-Ecutioners, Zu (con quien vino a Chile), Maldoror, etc. Bandas que van desde el Hardcore hasta el Hip Hop pasando por sonidos de Jazz y el Rock.

En 1999 la Banda Mr. Bungle se disolvería, después del disco “California”. Patton se concentraría en su nuevo proyecto. Una extensión de su álbum solista, esta vez incorporando el Metal, para ello reunió una banda de elite, en el Bajo Trevor Dunn (Mr. Bungle) en la guitarra a Buzz “the man” Osbourne (Melvins) y en la batería a Dave Lombardo (Slayer) junto a ellos formó “Fantömas” y editó hasta la fecha cuatro discos.

El genio creativo de Patton lo motiva a estar constantemente experimentando nuevos sonidos, por lo que paralelo a Fantömas formó la banda “Tomahawk” con un estilo más cargado al Hard Rock, tenía un sonido más “normal” sin embargo sus últimos discos resultaron más experimentales. Ambas bandas se encuentran es estado de suspensión pues no se sabe si Patton continuará con ellas. Es conocido que cuando él se aburre de una banda, simplemente la abandona.

Después de explorar con el Rock, Patton va un vuelco y se lanza con el Trip Hop, lanzando un disco con la banda “Lovage” y posteriormente sacaría a la venta un disco lleno de participaciones, entre ellos bandas como Massive Attack y cantantes como Norah Jones – hablamos de “Peeping Tom” en donde la temática se acerca al Hip Hop con un toque de la locura de Patton.

Pero no toda la creatividad de Patton gira en torno a la música. El cine también ha sido un campo en donde Patton ha dejado su huella. Participó como actor principal en la película independiente “CrackFire” interpretando dos roles y recibiendo una buena crítica por parte de la prensa. Del mismo modo Patton creo el soundtrack para la película “A Perfect Place” y “Crank 2” -  También hizo las voces de las fieras salvajes de la película “Soy Legenda”

Haciendo voces en esa película fue que Patton recibió ofertas formales para hacer las voces de diferentes videojuegos. Por lo que ahora tenemos a Mike Patton participando en las voces del juego “Bionic Comando”  para X-Box 360. 

Para el 2008 la noticia de que FNM se volvería a reunir crecía con fuerza y al final el sueño de muchos que quedaron con las ganas de volver a ver o ver por primera vez a esta genial banda que marcó a la generación de los 90s y que influenció a cientos de bandas. La gira terminaría en un último concierto ni más ni menos que en Chile en un estadio repleto y teloneados ni más ni menos que por la gran banda PRIMUS. En una mágica noche Patton se reencontró con los clásicos escupos en su rostro y dejó todo en el escenario demostrando la pasión y entrega en lo que este tipo sabe hacer mejor.

Actualmente Patton se encuentra trabajando en su proyecto “Mondo Cane” con el cual revive clásicos de la música italiana y con quienes ya editó un disco homónimo y se prepara para hacer una gira que nuevamente lo llevará a tierras chilenas. Por nuestra parta esperamos que Patton siga siendo el prolifero músico que hasta ahora es y así podamos seguir disfrutando de su música que es solo entendida por quienes consideran a Patton como un DIOS.

STEVEN SEAGAL- un duro difícil de matar

Steven F. Seagal (10 de abril de 1952) es un actor de cine de acción, experto en artes marciales japonesas y músico estadounidense.

Cinturón negro, séptimo dan en Aikidō, Seagal fue el primer occidental en dirigir su propia escuela o dōjō de dicha especialidad en Japón. Además, tiene amplios conocimientos de Kenjutsu, Judo, Karate Do. Por otra parte, Seagal ha editado dos discos de música blues y trabaja como Sheriff en la comunidad de Jefferson Parish, Luisiana.

Nacido Míchigan, de padre judío y madre de ascendencia irlandesa católica, en su juventud se mudaron a California y empezó a estudiar artes marciales. Cuando tenía diecisiete años, Seagal se mudó a Japón para continuar su estudio de artes marciales, a finales de los años 60, en donde dio clases de inglés para pagar sus estudios en las artes marciales de Aikido, kenjutsu y Judo.

En el año 1975 contrajo matrimonio con la japonesa Miyako Fujitani, experta también en artes marciales. A comienzos de los años 80 creó una escuela de artes marciales en West Hollywood. A su centro asistieron personajes importantes del cine como Sean Connery o Michael Ovitz, quien fue el encargado de introducirlo en Hollywood.

En 1986 Seagal se divorció de Miyako para casarse con Adrienne La Russa. El matrimonio resultó fallido y un año después Segal contrajo matrimonio con la actriz y modelo Kelly LeBrock, conocida por la película “La chica de Rojo”.

En 1987, Seagal comenzó a trabajar en su primera película, Above the Law (también conocida como Nico). A raíz del éxito de este film, Seagal hizo tres películas más: Difícil de matar, Señalado por la muerte y Out for Justice, que fueron éxitos de taquilla, convirtiéndolo en una estrella del cine de acción. Más tarde estrenó el éxito rotundo Alerta máxima de 1992. La cinta ganó en total $156.4 millones dólares en todo el mundo.

Posteriormente prosiguió con sus métodos violentos de ficción, a pesar de su filosofía budista y su maestría en el Aikido, en títulos como “Decisión Crítica” (1996), “Herida Abierta” (2001) o “El Extranjero” (2002), películas donde siguió con las escenas de violencia y peleas donde derrotaba a decenas de enemigos sin siquiera despeinarse. El último éxito de Seagal en la pantalla grande es la cinta Machete, dirigida por Robert Rodriguez y donde comparte roles con  Danny Trejo, Lindsay Lohan, Jessica Alba y Robert De Niro.

Seagal trabaja actualmente (además del cine) como Sheriff adjunto de reserva en la comunidad de Jefferson Parish, Luisiana. Se graduó en una academia de policía en California y tiene un certificado que lo acredita como policía. En su reality show, Steven Seagal: Lawman, se dice que ha sido un agente honorario de la policía durante casi 20 años. La serie se estrenó con éxito en A&E el 2 de diciembre de 2009. En la serie, Seagal muestra sus capacidades como maestro en técnicas de sometimiento policiaco y tirador experto.

Seagal es, además, guitarrista de la banda de música blues Steven Seagal and the Thunderbox. Lanzó su primer álbum, Songs from The Crystal Cave, en 2004. En 2006 publicó otro disco, Mojo Priest. 

A lo largo de su carrera, Steven Seagal ha adquirido cierta reputación por abusar de sus capacidades fisicas adquiridas por las artes marciales. Por ejemplo, el veterano actor y ex-alumno de Seagal, Sean Connery, declaró haber sufrido de una fractura en la muñeca tras un entrenamiento con Seagal durante la filmación de Nunca digas nunca jamás de 1983. También, salió a la luz que en 1997, durante una fiesta privada en la mansión de Sylvester Stallone, Seagal repitió en varias ocasiones que podría fácilmente "patearle el trasero" al popular actor de cine y artista marcial Jean-Claude Van Damme; al escucharlo, Van Damme lo retó a demostrarlo en el jardín de la mansión, pero Seagal se retiró de la fiesta; según Stallone, Van Damme, enfurecido, lo siguió hasta un club nocturno y le propuso el combate de nuevo. Stallone declaró al respecto: "Van Damme era demasiado fuerte entonces. Seagal no tenía nada que hacer con él".

El 12 de abril del 2010, Kayden Nguyen de 23 años de edad, antigua asistente personal de Seagal presentó una demanda contra él relacionada con acoso sexual. La joven Nguyen declaró que Seagal le propuso unirse a su harén personal, que incluye a dos mujeres rusas que sostienen asiduas relaciones sexuales con él. Hasta el momento la demanda no ha dado frutos.

Así es la vida de un duro de la pantalla grande: Steven Seagal. 

MARIO MORENO - Cantinflas

Mario Moreno “Cantiflas” (1911 – 1993) Popular actor de comedia mexicana que por muchos años hizo reír a millones de personas con sus películas y principalmente con el personaje de “Cantinflas” con el cual alcanzó fama mundial. Hasta la fecha es considerado uno de los más grandes comediantes de habla hispana en el mundo.

Nació un 12 de agosto de 1911 con el nombre de Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes en el distrito federal de Ciudad de México en el seno de una familia de muy bajos recursos. Siendo pequeño aún se enroló una compañía de comediantes ambulantes y con ellos deambuló a lo largo y ancho de México desarrollando todo tipo de papeles y llegando a tener algunas apariciones en el set. Para finales delos años 20 crearía la imagen que lo haría famoso en todo el mundo, aquel personaje despreocupado, con los pantalones a medio caer, ese singular mostacho, la forma de caminar y hablar inconfundibles que lo transformarían en el cómico más famoso de Ciudad de México durante la década de los 30.

Para el año 1934 conoce a quién sería el amor de su vida, una bella actriz rusa llamada Valentina Subarev con quién se casaría y viviría hasta el final de sus días. Con ella tuvo a su único hijo – Arturo.
En 1936 una importante compañía de circo lo contrata para hacer giras alrededor de México y junto con eso llegarían las primeras ofertas para participar en cine. Similar a Chaplin, Mario comenzaría firmando pequeños cortometrajes donde él participaría. Hasta que en 1940 se consagra en la pantalla grande con el film “Ahí está el detalle” en el cual Mario, al final de la película, logra cambiar el veredicto de un juez después de hablar por más de diez minutos cosas sin sentido.

Poco se sabe sobre como adoptó el nombre de Cantinflas. Algunas teorías afirman que lo hizo porque no quería humillar el nombre de su familia por ser un cómico. Sin embargo la más aceptada es que un día un tipo le gritó en el bar “En la cantina te inflas” frase que le pareció muy simpática, la redujo y quedó “Cantinflas”
Su carrera en el cine no paraba y para fines de los 40 ya tenía su propia productora. En los años 50 Cantinflas cambiaría un poco el matiz de sus películas. Su personaje abandonaría un poco la trivialidad y pasaría a ser un personaje que por medio de su “cantinfleo” (habilidad para hablar y no decir nada) criticaría a la sociedad de la época, principalmente a la aristocracia descorazonada y al pueblerino que espera y no hace nada. Excepcionalmente, en 1957 participó en la mega producción gringa “La vuelta al mundo en 80 días” en donde interpretaría al mayordomo “Passepartoute” con la cual ganó un globo de oro como mejor actor.

Durante las siguientes décadas, Cantinflas interpretaría diversos papeles, policía, bombero, barrendero, científico, etc. En todas ellas abordaría temas sociales, labor que incluso le fue reconocida por la ONU en donde en más de alguna ocasión dio un discurso. En 1966 su esposa fallece y Mario decide ligarse hacía labores humanitarias y políticas participando activamente en diversas manifestaciones por la paz.

Para la década de los 80, Cantinflas dejaría el cine y se dedicaría exclusivamente a sus labores humanitarias. Su última película fue “El Barrendero” Para el día 20 de abril de 1993 Cantinflas fallecería producto de un cáncer de pulmón que lo afectaba hace ya un par de años. Si bien murió siendo millonario, nunca olvidó sus raíces y es por ello que gran parte de su fortuna fue donada a diversas instituciones de acción social, en especial para los más pobres de México.

Para este año se tienen planificadas diversas actividades en conmemoración del centenario de su natalicio y se espera que se le haga un reconocimiento en muchos otros países de habla hispana donde tuvo gran influencia.
En el año 92 las palabras “Cantinflas”, “Cantinflear” y “Cantinfleada” fueron incluidas en el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española.

También fue comparado con el exitoso comediante Groucho Marx por sus habilidades lingüísticas y su crítica a la sociedad y al gobierno. Por estos aspectos también se le compara con Chaplin, quién en más de una oportunidad consideró a Cantinflas como “el mejor comediante del mundo”.

SYD BARRETT- Entre la genialidad y la locura

Considerado por muchos como el alma de la banda de rock psicodélico Pink Floyd, Syd Barrett simboliza la genialidad de la etapa más prolífica de la mítica formación. Pese a que su legado musical es de escasa cantidad, el músico, nacido en 1946 en Cambridge (sur de Inglaterra), ocupa de forma indiscutible un lugar destacado entre los grandes en el olimpo de la música, tal como lo pueden probar los cientos de homenajes, referencias, sitios, libros, filmes, en fin, todo lo que se ha hecho acerca de este mítico rockstar. 

Roger Keith "Syd" Barrett fue un niño acosado por una gran cantidad de temores que le impidieron adaptarse adentro de su ambiente familiar y social. Sin embargo desde pequeño sintió inclinación el arte, tal vez como una vía de escape. Aunque inicialmente se había decidido por la pintura, su interés en la música también comenzó a temprana edad y ya a los once años tocaba la guitarra junto a su amigo David Gilmour, quien posteriormente lo reemplazaría en Pink Floyd.

Cuando Syd inició sus estudios de secundaria conoció a Roger Waters, aunque no compartían el mismo nivel ya este último estaba dos años por delante de Syd. A pesar de esto ambos se hicieron muy amigos. Posteriormente Waters se va a estudiar Arquitectura en Londres y Syd le sigue con la intención de estudiar pintura. Durante ese periodo compartía departamento con Roger Waters, con quien formaría por entonces una banda llamada “Los Abdabs”, formada por Waters más Rick Wright, Nick Mason y Bob Klose.

Cuando Klose dejó la banda, Syd Barrett propuso un nuevo nombre: Pink Floyd, en memoria de dos viejos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council. El debut en vivo del grupo se produjo en el Roundhouse, el 15 de octubre de 1966. Syd Barrett tenía talento para componer. Lo hacía desde los 16 años, cuando compuso "Effervescing Elephant" y lo continuó en canciones como "Interstellar Overdrive", lo que facilitó que la banda empezara a ganarse su reputación como grupo "experimental", lejano y distinto a lo que era la escena musical por aquella época.

En 1967 el grupo firmó un contrato con la compañía discográfica EMI, que publicó su primer single: "Arnold Layne". El segundo single de la banda "See Emily Play” supuso un enorme éxito, lo que originó la entrada del grupo en los estudios Abbey Road para grabar lo que sería su primer LP: The Piper at the Gates of Dawn. Todos los temas fueron compuestos por Syd Barrett, excepto "Take Up Thy Stethoscope & Walk", por Roger Waters, pero esta composición pasa inadvertida al lado de temas como "Astronomy Domine", "Interstellar Overdrive" o "Bike", en los que Syd Barrett dejaba un sello en la historia de la música que nadie ha podido igualar.

El comienzo de los problemas mentales de Barrett —aún no se sabe muy bien si sufría de esquizofrenia, trastorno bipolar o psicosis— coincidieron con el despegue de la banda hasta el estrellato musical. Adicto a las drogas, sobre todo al LSD, sus “viajes” contribuyeron a empeorar su estado mental, lo que le provocaba conductas extravagantes durante los conciertos del grupo. En medio de los conciertos de Floyd, el músico se llegó a quedar estancado en un mismo acorde durante todas las canciones.

Para ese momento sus problemas mentales eran patentes, arruinando algunas actuaciones del grupo con episodios lamentables, como el famoso colapso que sufrió en una entrevista para una cadena norteamericana. En su vida “privada” es descontrol también era evidente. En su departamento tenía dos gatos, uno llamado Pink y otro llamado Floyd. De vez en cuando les daba ácido a los gatos (imagínense a dos gatos en ácido…). Pero cuando realmente saltaron las alarmas, fue en el momento en el que Syd encerró a su novia bajo llave tres días, dándole, ocasionalmente, galletas por debajo de la puerta. Fue Roger Waters quien entonces decidió tomar las riendas del grupo y le propuso permanecer en la banda sólo como compositor, llamando a David Gilmour, para sustituirle en las actuaciones en directo.

La conducta de Barrett divertía a los seguidores de la formación, a la vez que preocupaba, cada vez más, a los otros miembros de la banda. Es famosa la anécdota que cuenta cómo, en enero de 1968, de camino a un concierto que tenían programado en la universidad de Southampton, el grupo decidió de forma deliberada no recoger a Syd. Fue el final de la pertenencia del artista al grupo que él mismo fundó.

De 1968 a 1972, Barrett se distanció de la esfera pública, pero se embarcó en una aventura solista  en la que lanzó tres álbumes: 'The Madcap Laughs', 'Barrett' y 'Opel'. David Gilmour y dos músicos más acompañaron a Barrett en el único concierto que dio durante este período, el 6 de junio de 1970 en Londres. En este espectáculo, que duró menos de media hora, y en el que las letras eran apenas audibles, el trío sólo pudo tocar tres piezas, ante la repentina marcha del escenario de Barret.

Y la marcha de Barrett fue total. Desde 1972 se retiró absolutamente de la vida pública, recluyéndose en la casa de su difunta madre en Cambridge, donde se dedicaba a la pintura y la jardinería. Su principal contacto con el mundo exterior era su hermana, Rosemary, que vivía cerca de él y con la que vio, en 2002, un documental emitido por la BBC sobre él. 

El cantante sólo volvió a ver a sus antiguos compañeros de Pink Floyd solamente en una ocasión, mientras la banda grababa en 1972 el álbum 'Wish You Were Here'. Irrumpió en el estudio justo cuando la banda interpretaba 'Shine on you crazy diamond', una canción escrita por Roger Waters sobre Syd. Entonces, el aspecto físico de Barrett mostraba a un hombre con sobrepeso y con la cabeza y las cejas totalmente afeitadas (tal como se ve al personaje de Pink en la película "Pink Floyd - The Wall"). 'Wish You Were Here' fue dedicado a Barret.

Tras permanecer alrededor de veinte años en el más absoluto anonimato una publicación musical inglesa le entrevistó en casa de sus padres en Cambridge (pese a la oposición de su madre) para descubrir que decía no recordar al grupo Pink Floyd. En sus últimos años sólo se le vio en público un par de veces y sólo para salir a comprar o atender asuntos domésticos urgentes. Su familia le internó en un psiquiátrico pero el doctor le declaró incurable.

Aunque al principio se especuló equivocadamente que fue debido a complicaciones de su diabetes, el 7 de julio del 2006, el músico falleció a los 60 años, como consecuencia de un cáncer pancreático, aunque esto tampoco está confirmado.

Y así, un genio más que nos abandonó. Otra estrella que prefirió la oscuridad a las luces. Así fue Syd Barrett, fundador y genio de Pink Floyd.

AKIRA TORIYAMA - El maestro del Manga

 

Akira Toriyama (1955 -) Gran ilustrador, Mangaka (creador de mangas – la versión japonesa de los comics) y diseñador de personajes. Se hizo famoso mundialmente por el popular animé “Dragon Ball” y por su participación en el área de los videojuegos donde diseñó los personajes del gran RPG (Role Playing Game) “Chrono Trigger” de la entonces compañía Squaresoft – ahora SquareEnix.

Tori, como le llaman sus fanáticos y como él mismo se hace llamar dentro de sus historietas, nació un 5 de abril del ’55 en Nagoya, Aichi en la isla Nipona. Desde pequeño sintió atracción por el arte y el dibujo y fue entonces que decidió dedicarse al dibujo publicitario y la ilustración. Sin embargo, por malas experiencias con su jefe y por lo aburrido de su trabajo decide optar por la creación de personajes ficticios. Fue entonces así como sus primeras caricaturas aparecieron en publicaciones semanales de diarios locales con las cuales fue alcanzando reconocimiento dentro del medio.

El salto a la fama lo dio en la década de los 80s con su primer manga, el cual aparecería regularmente en la revista Weekly Shonen Jump; hablamos de “Dr. Slump” que se publicó desde 1980 hasta el ’84. Dr. Slump narra la historia del profesor Senbee Norimaki y su máxima creación, una niña robot de 10 años Arale Norimaki. La acción ocurre en la Aldea Pingüino y la serie de televisión sobrepasó los 240 episodios llegando a su fin en 1986.

Para 1984 Tori ya era una estrella en Japón, pero él se tomaba las cosas con calma, porque tenía preparada una historia que traspasaría las fronteras del país del sol naciente para convertirse en un éxito a nivel mundial – Hablamos de “DRAGON BALL” – es casi imposible imaginar que muchos de nosotros NO vio en algún momento la serie, o que el nombre de GOKU o VEGETA quedaron en nuestro inconsciente colectivo.

A Tori se le había ocurrido hacer la historia desde cuando aún se encontraba trabajando con Dr. Slump y su inspiración fueron las películas de Jackie Chan. Según el propio Tori relata, “jamás se me hubiese ocurrido Dragon Ball si no hubiese visto “The Drunken Master” (El maestro borracho)  y sí lo pensamos bien, ahí mucha similitud en varios personajes de la serie con algunos personajes de las películas de Jackie Chan -  Basta recordar que en el torneo mundial de las artes marciales el Maestro Rochi ocupaba como Alter Ego el nombre de Jackie Chung.

 Las historias del pequeño Goku, fueron recopiladas en 42 libros, los cuales después serían llevados al animé en una serie que cautivaría a todo el mundo y que de paso lanzaba al animé como un fenómeno mundial. Posteriormente le seguía la serie Dragon Ball Z, que narra las aventuras de Goku siendo ya un adulto y finalmente vendría la saga Dragon Ball GT en donde se encuentran casi tres generaciones de personajes transformando la serie en una de las más baja y la razón de Tori para abandonarla definitivamente. Actualmente la serie se encuentra en una fase de restauración para volver a lanzar a la televisión, también hay rumores de que una importante cadena televisiva habría convencido a Tori de volver a trabajar en Dragon Ball y así continuar con las historias de Goku y sus amigos.

Después del éxito de Dragon Ball, Tori es reclutado para trabajar en el diseño de los personajes del juego RPG para Super Nintendo “Chrono Trigger” y posteriormente para diseñar los personajes del juego de peleas “Tobal Nº1” para PlayStation 1.

Akira Toriyama recalcó en el 2008 que su manga “Blue Dragon” sería probablemente su último trabajo. En sus palabras dice “que siente mucha presión y hay muchas expectativas en mi trabajo y no quiero desilusionar a nadie, sé que será una gran historia porque he trabajo mucho y estoy seguro que también seré recordado por esto” – Blue Dragon nace después que Tori trabajara en el diseño de personajes para el videojuego de X-Box 360 del mismo nombre.

Actualmente Tori vive con su esposa y dos hijos en la misma ciudad que lo vio nacer. Entre otros datos curiosos podemos decir que una de sus inspiraciones, además de las películas de Jackie Chan, fue la música de Star Wars. Según él, la escuchaba para inspirarse en sus historias. Además Tori reconoce que Walt Disney también fue una inspiración para él y que su película favorita es “101 Dálmatas”

Biografías POP quiere dedicar esta edición a todas las familias Niponas que están pasando por terribles momentos después del terremoto y posterior Tsunami – ¡FUERZA JAPÓN!

A continuación un video con una recopilación de ilustraciones de este maestro

SALVADOR DALÍ - "El surrealismo soy yo"

Salvador Dalí decidió en su adolescencia que sería "un gran genio"; y no se equivocó. Y es que sin duda, Dalí está considerado como uno de los artistas más importantes de la historia. 

Salvador Dalí fue un pintor catalán, uno de los máximos exponentes  del surrealismo y conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Desarrolló su genio en multitud de facetas: dibujo, pintura, grabado, cine, orfebrería y decoración. Su obra y su imagen personal se han transformado en verdaderos iconos.

Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador, había muerto unos nueve meses antes, por lo que decidieron ponerle el mismo nombre. Cuando Dalí tenía sólo cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer. Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.

Como artista su precocidad fue sorprendente: A los diez años ya dibujaba y pintaba con mucha regularidad, sobre todo retratos de miembros de su familia y paisajes. A los doce descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium.

En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel y del poeta Federico García Lorca, el poeta español más influyente del siglo XX. Con Buñuel lleva a cabo varios proyectos, destacando la creación de Un perro andaluz (1929), un cortometraje célebre que se estudia en cualquier curso de cine que se precie de tal. 

Con García Lorca las cosas fueron mucho más allà, pues vivieron un verdadero romance, aunque no hay claridad acerca de si fue algo platónico o si llegó a lo carnal.

 

Como artista extremadamente imaginativo, Dalí manifestó desde aquellos años una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía. Llegó a emitir declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador Dalí»; “El surrealismo soy yo” y “Salvador es inmortal, nunca morirá”. Sus conductas megalomaniacas le provocaron ser odiado por muchos al considerarlo un tipo tremendamente arrogante, etiqueta que ciertamente no le venía nada de mal. 

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Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ella que fuera digno de examinarle. Ese mismo año, visitó París por primera vez, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca. 

La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue: coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero, acusación que lejos de desagradar al pintor le proporcionaba un secreto e irónico placer. De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, Dalí declaró románticamente: "Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero." 

Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados. 

Enterado el padre de Salvador de la vida disoluta de su hijo junto a Gala, rompe relaciones con él. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. 

Posteriormente, Dalí y Gala pasarán algunos años en Nueva York, años en que más que sentirse apartado del grupo de los surrealistas, se siente el único, el mejor (“el surrealismo soy yo” dijo). Por entonces estalla la Guerra Civil en su España natal, donde, entre muchoas otras consecuencias para su vida personal, fusilan a su amigo Federico García Lorca, noticia que afectaría mucho a Dalí.

A España regresó en 1948, fijando su residencia de nuevo en Port-Lligat y hallando en el régimen del general Franco toda suerte de facilidades. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor "Paraje pintoresco de interés nacional". En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueras; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España. 

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson. 

Gala murió en 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación suspendida. En 1984 un incendio de causas desconocidas se declaró en su dormitorio. De nuevo se sospechó de un intento de suicidio. 

En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988 fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra.

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El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. 



Las veinte mejores pinturas de Salvador Dalí:

ADRIANO CASTILLO - El compadre Moncho

Adriano Castillo Herrera (1944 - ) Popular actor Chileno conocido a lo largo del país como “El compadre Moncho” personaje del mítico SITCOM chileno “Los Venegas” – programa que con 20 temporadas ininterrumpidas pasó a ser parte de la memoria colectiva de todos los chilenos.

Adriano nació en Concepción un 24 de junio en una familia tradicional. Siendo pequeño se mudó a Santiago para estudiar en el prestigioso Instituto Nacional. Su padre un activista comunista que colaboró junto con Neruda para refugiar Españoles que huían de la guerra civil – En el barco “Winnipeg” – por allá en la década del 30.

Una vez terminados sus estudios en dicho establecimiento entró a la Universidad de Chile a estudiar Químico Farmacéutico; carrera que no terminó porque se dedicó a la actuación. El inicio de Adriano en las tablas no fue fácil, pero de a poco logró abrirse camino. Siendo joven era muy excéntrico para vestirse; se dejaba un afro y de vez en cuando salía con una capa a la calle -  en sus propias palabras, era un tiro al aire.

Trabajó para el Partido Socialista y el Partido Comunista durante la presidencia de Allende, pero el golpe militar lo obligaron a alejarse de esas redes. Durante los ochentas logró conseguir un trabajo en el área de doblaje transformándose así en la primera voz de John Bonachon (el dueño de Garfield – el gato flojo y comilón) durante la primera temporada de la serie.

Luego conseguiría pequeños papeles en algunas telenovelas nacionales en distintas casas televisivas, hasta que para 1998 es reclutado para formar parte de un SITCOM “Los Venegas” el cual retrataría la vida de una familia de clase media. Adriano se encargaría de representar al “Compadre Moncho” el típico chileno mujeriego, bueno para andar metiéndose en líos, despreocupado y que además nunca tiene dinero.

El personaje se convirtió en tal éxito que siguió apareciendo en todas las temporadas de la serie y luego vino la pregunta ¿Adriano se convirtió en el Compadre Moncho o el Compadre Moncho se convirtió en Adriano? Para algunos, simplemente el personaje es una extensión de la propia persona. Algo así como el caso de Charlie Sheen con su personaje de Charlie Harper en el SITCOM “Two and a Half Men”. Lo cierto es que revisando la vida de Adriano, podemos encontrar varios factores que indican que tanto él como el Compadre Moncho son definitivamente la misma persona.

Primero dijimos que el Compadre Moncho era un mujeriego. Bueno Adriano, sin ser un tipo muy agraciado físicamente, ha conquistado el corazón de varias chicas muy guapas, incluyendo un par de chicas que trabajan como Vedette. Adriano ha estado comprometido formalmente con cuatro chicas, pero afirma que solo se ha casado una sola vez. Su pasión por la belleza femenina es innegable, conocida es su fama por visitar frecuentemente cafés con piernas en el centro de Santiago.

Adriano también disfruta mucho apostando a los caballos, a diario se le puede encontrar en los Teletracks (centros de apuestas para carreras de caballos) apostando unos billetitos a sus clásicos caballos. Afirma que la Hípica es algo muy lindo, pero que hay que saber controlarla, si se transforma en un vico te puede llegar a matar. También dice que es un lugar en donde puedes ver a un tipo que tiene millones de pesos gritando de la misma manera que otro que ha apostado la mitad de su sueldo. También dice que se ven “minas muy ricas por allá”.

Pero Adriano es todo en personaje en sí mismo, la gente que lo ve en la calle le grita “¡wena Moncho!” y él saluda y sonríe. Su simpatía y su personaje lo llevaron al mito. Varias leyendas se han creado en torno a Adriano – la más popular -  “Adriano Castillo es capaz de Desdoblarse” El mito nació producto de las redes sociales. Él es un tipo que camina mucho, sobre todo por el centro de Santiago, donde a diario circulan millones de personas. Primero fueron mensajes de texto “Oye, vi al compadre Moncho en Ahumada” “Sí, yo lo vi en el Metro” “ Yo lo vi entrando a un topless” y así sucesivamente hasta que con Facebook nació el grupo “Yo también vi al compadre Moncho” con más de mil seguidores, todos posteando en donde vieron al compadre Moncho y muchos de ellos afirmando que lo vieron en distintos lugares al mismo tiempo.

Lo cierto es que Adriano es parte de nuestra cultura, un reflejo de lo que somos y a lo que muchos optan ser, ya sea por voluntad o destino. Pero es indiscutible que todo Chileno y quizás cualquier persona en el mundo lleva un compadre Moncho dentro – Sí no me creen, pregúntele al administrador de Biografías POP.

DON ELIAS FIGUEROA- El iluminado

Sin duda el mejor futbolista chileno de todos los tiempos y uno de los mejores defensas centrales del mundo. Biografías Pop se pone de pie y se viste de etiqueta para presentarles a DON ELIAS FIGUEROA.

Este crack nació en Valparaíso el 25 de octubre de 1945. En un comienzo nadie podía imaginar la exitosa carrera que Elías construiría con el paso de los años, debido a complicaciones de salud que lo afectaron desde su más temprana edad. Primero, una difteria le ocasionó problemas a su corazón, y tiempo más tarde los médicos descubrieron que era asmático. Mientras el niño Figueroa empezaba a mostrar talento con la pelota los médicos le prohibieron la práctica del fútbol y hasta llegaron a arriesgar que no sería un niño “normal”.

Sin embargo, a los ocho años ingresó al club Alto Florida (de Quilpué) y fue puliendo sus condiciones innatas hasta cumplir los catorce, cuando pasó al Deportivo Liceo de la misma ciudad. Pasó allí sólo un año, ya que gracias a contactos de su padre con el ayudante de campo del Santiago Wanderers -Víctor Parra- consiguió una prueba en el club de Valparaíso. De inmediato queda incorporado a Wanderers y pasa, en cuestión de meses, de jugar con los amigos del barrio a enfrentar a Brasil campeón del mundo, integrando la juvenil caturra, que sirvió de sparring para los verdeamarillos durante el Mundial de 1962, así tuvo el honor de marcar a Pelé, Garrincha y Didí a los 15 años lo que ya en ese entonces causó más de un comentário sobre su impresionante calidad de juego.

Dado que en el cuadro titular de Wanderers se imponía el mundialista Raúl Sánchez, Figueroa no halló lugar y Unión La Calera consiguió su préstamo por una temporada. Ese año Elías Figueroa es considerado como el futbolista revelación del torneo, y fue por primera vez llamado de Don Elías por un exhaltado locutor de rádio, Hernán Solis, que en el triunfo de La Calera sobre Colo Colo en pleno estádio Nacional dijo "estamos frente a un muchacho de 17 años que juega como un crack maduro, desde hoy yo no puedo más que llamarlo Don Elías Figueroa". Nacía la leyenda.

Volvió a Santiago Wanderers como figura y como seleccionado nacional. Jugaría el Mundial de Inglaterra 1966 y en un campeonato sudamericano, jugado en Uruguay, los grandes de América pusieron sus ojos sobre él.

Fue así como Don Elías llega a Peñarol de Uruguay, uno de les equipos más grandes de América en aquellos años. Así,  Elías se coronó bicampeón uruguayo, fue titular en el equipo que en 1969 ganó la “Supercopa de Campeones” -ante el Santos de Pelé- y además fue elegido sistemáticamente como el mejor en su puesto a nivel nacional. Fue entonces queFigueroa recibió dos ofertas muy disímiles: una del Real Madrid (España) y otra del Internacional de Porto Alegre (Brasil).

Tipos como Pelé, Gerson, Tostao, Jairzinho, Rivelino, todos ellos jugaban y prestigiaban la liga brasileña, lo que sumado al buen contrato ofrecido por la dirigencia del Inter, llevaron a Elías a decidirse por su oferta. Muy pronto se convirtió en referente del vestuario “Colorado”, y con su calidad en defensa fue una ayuda notable para que el equipo más popular de Porto Alegre obtuviera su primer Brasileirao en 1975; pero tan bueno era el nivel de ese equipo que en el ´76 repitió la consagración y se transformó así en el primer club en obtener el bicampeonato a nivel nacional.

Su participación en el primer título tiene su momento más recordado justo en la final, ese momento en donde suelen aparecer los grandes. En el encuentro decisivo ante el Cruzeiro -jugado en el “Beira Río”, el 15 de diciembre del ´75- metió el único gol del encuentro, de cabeza. Pero ese tanto quedó en la historia como “el gol iluminado”. ¿Por qué ese nombre? Ya caía el atardecer en la ciudad “Gaúcha”, cuando a los quince minutos del complemento, justo en el sector donde saltó Figueroa apareció un haz de luz mientras el resto del campo estaba casi a oscuras… un fenómeno al que nadie le encontró explicación hasta la fecha y a partir del cual muchas personas llevaban a sus hijos enfermos a las prácticas para que el zaguero los curase con sus supuestos “poderes”.

A fines de ese año ganó el premio a mejor jugador del campeonato, así como también obtuvo en varias de las seis temporadas que jugó en tierra brasileña, la distinción al mejor zaguero del torneo. Como si eso fuera poco, siendo defensor logró llevarse tres veces consecutivas el galardón otorgado al mejor futbolista de América (1974, 1975 y 1976).

Pese a estar en el mejor momento de su carrera y casi en la plenitud de la edad para un futbolista, a comienzos de 1977 decidió irse del club con el que había ganado los seis estaduales que disputó y pegó la vuelta a su tierra natal, para participar del campeonato chileno tras diez años de ausencia.

Pero no se puso la camiseta de uno de los grandes. Arregló con el Palestino, un club para nada habituado a pelear arriba, aunque su llegada colaboró -y mucho- para que en esa misma temporada el equipo se alzara con la Copa de Chile, siendo esta la segunda luego de la lograda en el ´75. Aunque ahí no terminaba la historia: en 1978 los “Árabes” dieron el batacazo y ganaron la liga (por segunda y última vez hasta ahora).

Figueroa siguió en la institución hasta finales de 1980, cuando fue tentado para ser parte de la NASL yanqui, y firmó contrato con el Fort Lauderdale Strikers, donde, por única vez, no consiguió títulos.

Solamente una temporada duró la experiencia estadounidense de Elías, quien en 1982 volvió a su tierra y llegó a Colo Colo. Pero solamente jugó tres meses, retirándose luego de un clásico que terminó 2 a 2 ante laUniversidad de Chile, jugado el 1º de enero del ´83. El hombre que durante casi dos décadas había hecho del área su dominio, entendía que había llegado el momento del descanso.

Otros datos:

Elegido por la FIFA como uno de los cien mejores del mundo de todos los tiempos (n°19).

Los pies de Don Elías están grabados en el “Paseo de la Fama” del Estadio Maracaná.

Es el único futbolista chileno que ha disputado tres mundiales (1966, 1974 Y 1982).

Fue elegido tres veces seguidas el mejor futbolista de América, trofeo que en Chile sólo han vuelto a conseguir Marcelo Salas y Matías Fernandez, aunque ambos sólo en una ocasión.

WINONA RYDER- Inocencia interrumpida

Winona Laura Horowitz, más conocida como Winona Ryder es una actriz norteamericana nacida el veintinueve de Octubre de 1971, en la ciudad norteamericana de Winona, Minessota, lugar al que debe su nombre. Con su extraordinario talento, belleza y carisma, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante los años noventa.

Sus padres, llamados Michael y Cindy, eran escritores y editores hippies, amigos de personajes clave en la contracultura estadounidense, movimiento que tuvo lugar en los últimos años de la década del 1960. A la edad de siete años, Winona y su familia se trasladaron a Rainbow, al lado de California, a una comunidad formada por siete familias más. En este tipo de comunidad se prescindía de luz eléctrica por lo que Winona, a falta de televisión, buscó en la lectura un entretenido pasatiempos y fue despertando sus deseos de actuar. 

A los doce años, se mudó a localidad de Petaluma. En esta localidad, Winona sufrió un gran trauma debido a la discriminación por parte de sus compañeros, que la golpearon y humillaron por su aspecto de "niño afeminado". Después de esto tuvo que tomar clases en casa para no ser molestada por los estudiantes. Otro dato de su infancia-adolescencia que cabe mencionar es que Winona sufre de fobia al agua debido a un accidente que sufrió a los 12 años donde estuvo a punto de morir ahogada. 

En 1985, Winona ingresó a la escuela de interpretación American Conservatory Theater y debutó en la comedia romántica, “Lucas”, luego que el director y guionista, David Seltez, descubriera su talento. 

Ya para finales de los ochenta y comienzo de los noventa, alcanzó el éxito cinematográfico con películas como: “Beetlejuice” en 1988, de Tim Burton, “El joven manos de tijera”, en 1990, también de Tim Burton y “Drácula”, en 1992, de Francis Ford Coppolla. En 1993, estuvo nominada al oscar como la mejor actriz secundaria por la película “La edad de la inocencia” y luego como mejor actriz principal en “Mujercitas”, en 1997. Fue también, nominada al globo de oro como mejor actriz secundaria en “Sirenas”, en 1990 y “La edad de la inocencia”, en 1993. Recibió también muy buenas críticas gracias a su actuación en “Inocencia interrumpida”, donde fue coprotagonista con Angelina Jolie, en 1999. 

En cuanto a su vida amorosa, especial importancia cobró su actuación en “Edward Scissorhands” ya que durante el rodaje de ésta surgió el romance tan controvertido y apasionado con el actor Johnny Depp, romance que al terminar la llevó a un estado emocional tan delicado que incluso tuvo que internarse de emergencia en un hospital. 

La popularidad de Winona comenzó a decaer al declararse cleptómana después de un incidente en 2001 cuando se comprobó por las cámaras de seguridad que Winona estuvo sustrayendo prendas en una tienda, por lo que se le dio una sentencia de tres años de libertad bajo palabra, trabajos comunitarios y tratamiento psicológico.

Su última aparición fue en el film "Cisne negro" de 2011, película nominada al Oscar en varias categorías.

Winona es, a pesar de sus conflictos y problemas psicológicos, un importante icono dentro de los años 90 y perteneciente a la denominada generación X. Por su aspecto frágil y estilo gótico inspiró a parte de la juventud que se sintió identificada con su estética. Esperemos más temprano que tarde que vuelva a ser la joven-adulta que nos deslumbró en los ya lejanos años noventa.

RONNIE JAMES DIO - un DIO-s del Metal

Ronnie James Dio (1942 – 2010) Fue uno de los músicos más influyentes del heavy metal y de la historia del rock del último tiempo. Con más de 40 años de trayectoria, Dio hizo carrera en diferentes grupos de rock e hizo mundialmente famoso el gesto más emblemático del heavy metal – hablamos de los populares cuernos, o mano cornuda que Dio comenzó a utilizar cuando reemplazó a Ozzy Osbourne en Black Sabbath.

Su verdadero nombre era Ronald James Padavona, sin embargo años después cambiaría su apellido por “Dio” inspirado en un popular miembro de la mafia “Johnny Dio” Sus primeros pasos en la música comenzaron a finales de los cincuenta tocando la guitarra, bajo y trompeta en diferentes bandas. Para los sesentas su música cambió a un Rock n’ Roll más influenciado por The Beatles – La banda de Ronnie se llamaba “ELF” (elfo – criatura mística que habita en los bosques) el nombre de la banda era debido a que todos los integrantes eran pequeñitos, siendo Ronnie el más alto con apenas 1.63 de estatura.

A comienzos de los 70s ELF fue escuchado por unos miembros de DEEP PURPLE, que quedaron tan impresionados con la banda que decidieron producirles un álbum además de ir en gira con ellos. Tras la experiencia vivida, el guitarrista de Deep Purple – Ritchie Blackmore – decide grabar un disco con ELF al margen de Deep Purple. Sin embargo, para 1975 Blackmore se separada de los Purple y decide formar su propia banda junto con Ronnie, así nace RAINBOW. Banda con la que Dio alcanzaría gran popularidad hasta que le hicieron una oferta tan poderosa que no pudo rechazarla.

Para 1979 Ozzy Osbourne abandonaba Black Sabbath para internarse en un centro de rehabilitación producto de su adicción a las drogas y al alcohol. Su entrada no sería nada fácil pues tenía la misión de continuar con la trayectoria con una de las bandas más influyentes del Heavy Metal, además de las constantes amenazas del propio Ozzy quien le recomendó a Dio llevar un chaleco antibalas si cantaba Paranoid o Iron Man, pues sería él mismo quien lo mataría.

Al contrario de la creencia popular, la entrada de Dio a Sabbath le dio a la banda nueva sangre y junto con ello mejores ventas que las conseguidas con Ozzy después del ’74. Fue en esta etapa con Black Sabbath cuando a Ronnie se le ocurrió el mítico gesto de la mano cornuda; según sus propias palabras dicho gesto le pareció acorde a la banda, por la mística y la temática de sus letras. Muchos creen que la mano cornuda representa al demonio pero en realidad es un antiguo símbolo de protección contra el señor de las tinieblas, este gesto se lo enseñó su abuela y Ronnie lo popularizó durante los conciertos de la banda.

Tras su paso por Black Sabbath, Ronnie decidé iniciar su carrera solista creando la banda “DIO” con ella lanzó canciones emblemáticas como “Holy Diver” o “Rainbow in the dark” entre muchas otras. Su música era una mezcla de heavy con hard rock con lo que cautivó a un nuevo público.

A comienzos de los 90s nuevamente se uniría a Black Sabbath, pero su paso sería breve y retomaría su banda solista en 1993 con quienes grabó su último disco en el 2004 titulado “Master of the Moon” luego se uniría a HEAVEN AND HELL (otro nombre para la misma formación de Black Sabbath) con quienes grabaría su último disco en vida “The Devil You Know”. Fue durante la gira de esta banda en el 2009 cuando Ronnie anunciaba que se encontraba enfermo – padecía de un terrible cáncer al estomago. A pesar de su enfermedad siguió cantando y deleitando a su fanaticada hasta que sus fuerzas se agotaron. Fue internado en el Hospital del Cáncer en Texas el 14 de marzo del 2010; su esposa “Wendy Dio” comunicó que Ronnie tuvo la oportunidad de despedirse de todos sus amigos más cercanos y solo estaban esperando por el momento de su partida.

Fue entonces un día 16 de Mayo del 2010 a las 7:45 am Ronnie James Dio decía adiós a este mundo para unirse a la gran lista de innumerables músicos y artistas que dejaron una gran huella en este mundo. Fue un día de luto para la música en donde muchos fan lamentaron su partida. Del mismo modo grandes bandas de la escena del rock de unieron en emotivas despedida en sus respectivos sitios web, así como también el programa “That Metal Show” hizo un reconocimiento público a Dio y su trayectoria como profesional y persona.

Datos Curiosos:
Ronnie estudió farmacia en la Universidad de Buffalo en New York 1960/61
Tiene una calle con su nombre en Cortland, New York
En 1985 organizó y escribió la música el “Hear n’ Aid” equivalente heavy metal del “Band Aid, USA for Africa” (con la canción clásica “We are the world”) para reunir fondos contra el hambre en los países más pobres de África. El show contó con la participación de más de 40 artistas de bandas heavy metal de la época y la canción “Stars” logró recaudar 1 millón de dólares.